Rezension von Peter Körte, Frankfurter Allgemeine

FEUILLETON 39
FRANKFURTER ALLGEMEINE SONNTAGSZEITUNG, 5. APRIL 2015, NR. 14
KLEINE MEINUNGEN
Appeasement Es ist ein Buch, das
man absolut nicht versteht, obwohl
jeder Satz, jedes Wort, jeder Buchstabe in „1000 Peitschenhiebe“
(Ullstein, 4,99 Euro) sinnvoll und
klar ist. Es sind nur 64 Seiten, die
ausgewählte Blogeinträge von Raif
Badawi dokumentieren – jene
Blogeinträge, die Badawi in einen
saudi-arabischen Knast bringen sollten, weil er seine Gedanken zur
Meinungsfreiheit ins Internet
schickte. Diese Gedanken sind –
durch die westliche Arroganz-bisGemütlichkeits-Brille gesehen –
sehr klar, allgemein und normal.
Und dennoch sollte man dieses
Buch lesen, nicht nur, um dann wieder entsetzt, gereizt und gelangweilt den Kopf über das Saudi-Regime schütteln zu können. Sondern
weil man beim Lesen merkt, dass
überhaupt nichts klar, allgemein
und normal ist auf dieser Welt.
Nicht einmal in Deutschland.
Denn der Ullstein-Verlag stellt den
Blogeinträgen eine editorische Notiz voran, in der es heißt, dass Badawis Koran-Zitate durch Sternchen
ersetzt werden mussten, „aus Sicherheitsgründen für die Buchedition“. Und das ist dann wohl die
einzige Sache, die man zum
Schluss doch noch versteht: Das
Appeasement lebt überall, lebt vor
allem in Deutschland.
priz
* * *
Sicherheit/Freiheit Nach Katastrophen wie jetzt dem Absturz der
Germanwings-Maschine heißt es
ja oft, sie setzten frei, was so als das
Gute im Menschen gilt: Hilfsbereitschaft, öffentliche Anteilnahme, Verständnis. Wie haltbar diese
Behauptung ist, welche Affektlagen sich in diesen Gesten und
Haltungen manifestieren, das muss
man hier nicht klären. Weit interessanter ist doch: Die Bereitschaft, etwas zu geben, was nicht immer
gleich eine Spende sein muss, die
Bereitschaft, durch Mitgefühl für
Opfer und Angehörige kurzzeitig
von sich abzusehen, geht bei Politikern und anderen Populisten umstands- und ansatzlos in die Bereitschaft über, im Namen der Sicherheit aufzugeben, was in demokratischen Staaten historisch durchgesetzt wurde und geschützt wird –
und was man, einmal preisgegeben, nicht wiederbekommen wird.
Unfassbar, wie schnell Leute mit
dem Vorschlag bei der Hand waren, ärztliche und psychologische
Schweigepflicht zu „lockern“; unheimlich, wie leicht dem Innenminister der Vorschlag über die
Lippen geht, die Ausweispflicht
auf Schengen-Flügen wieder einzuführen – als sei Tickettausch nicht
strafbar und als ließen sich nicht
längst viele Fluglinien beim Boarding ein Ausweispapier zeigen. Gespenstisch auch, wie konfus man
mit der erst nach 9/11 eingeführten
Cockpit-Verriegelung umgeht:
Sollen Terroristen wieder leichter
hineinkommen, weil psychisch
kranke Copiloten ein größeres Sicherheitsrisiko darstellen als Al
Qaida? In all diesen Vorstößen
kann man auch Testreihen erkennen: Wie müssen krude, angstbesetzte Szenarien aussehen, damit
Menschen bereit sind, Freiheiten
und Teile der Privatsphäre aufzugeben, im Tausch gegen illusionäre
Sicherheitsversprechen?
pek
IM HIMMEL
Jesus
VO N C O R D R I E C H E L M A N N
D
Jennifer Aniston in „Cake“
Foto Rivetti/Warner
Schön, wenn
Filme heilen
Auch Kinder können natürlich der Kunst erliegen - Klara Herbel in „Art Girls“.
Foto EYZ Media
Wehe, wenn Kunst
zu wirken anfängt
Jennifer Aniston macht sich in „Cake“ Robert Bramkamps experimenteller Spielfilm „Art Girls“
zum Gegenstand eines Experiments
ist auch eine Werkschau der Künstlerin Susanne Weirich
Das Ausmaß der Schmerzen, an denen Claire Bennett leidet, lässt sich
am besten an der Phantasie ablesen, die sie mit ihrem Ende verbindet: Sie würde Sex haben mit der
ganzen Fußballmannschaft von
Real Madrid. Elf athletische Männer und zwischen ihnen eine Frau,
die sich wieder bewegen kann. Ekstatisch, frei, hemmungslos. Nicht
so wie jetzt, da alles ungeheuer langsam gehen muss, weil schon die geringste Veränderung der Körperhaltung sie zum Schreien bringt.
Wenn sie denn laut werden könnte.
Aber sie erstickt ihre Pein mit Medikamenten, und das Einzige, was
sie nach draußen dringen lässt, ist
ihr Zynismus.
Den Rest muss man sich denken. Wie das eben so ist mit dem
Schmerz. Er ist nur für die Person
zu ermessen, die ihn fühlt. Von außen sieht man nur Spuren. Linien,
die sich ins Gesicht zeichnen. Müdigkeit, die nicht mehr aus den Augen weichen will. Finger, die nach
der Dose mit den Pillen tasten. In
dem Film „Cake“ macht Jennifer
Aniston sich und ihren Körper zum
Gegenstand eines hochinteressanten Experiments. Unwillkürlich suchen wir nach Spuren der Persönlichkeit, die sie bisher war, nach
einer der erfolgreichsten Komödiantinnen Hollywoods, nach einer
Frau, die für ihre Fitness berühmt
ist und die, wenn schon nicht mit
elf „Galacticos“, so doch zumindest
mit Brad Pitt im Bett war.
Doch wir sehen davon nur Schemen. Sie werden dunkel überstrahlt
von einem Rätsel. Etwas geht in
Claire vor, das sie entsetzlich mitnimmt. Dass sie sich den Ausschluss aus einer Selbsthilfegruppe
einhandelt, dass ihre Physiotherapeutin den Dienst quittieren möchte, dass sie allmählich als hoffnungsloser Fall gilt, das hat mit der speziellen Psychosomatik zu tun, um
die es in „Cake“ geht: Der Stützapparat ist durch ein Lebensereignis
erschüttert worden, das die Grenzen der Belastbarkeit radikal verschoben hat. Die Annehmlichkei-
ten eines gutsituierten kalifornischen Lebens, die Handreichungen
der mexikanischen Pflegerin, das alles hält Claire am Leben und gibt
ihr die Gelegenheit, ihrem
Schmerz selbst auf die Spur zu kommen. So bekommt diese klug strukturierte Erzählung eine therapeutische, anamnetische Richtung. Man
kann dabei sehen, wie das Filmemachen dem Heilungsprozess in mancherlei Hinsicht entspricht.
Aniston, die zuletzt die eher mittelmäßige Komödie „Horrible Bosses 2“ spürbar belebt hatte und die
ziemlich tolle Komödie „Wir sind
die Millers“ souverän vom Beifahrersitz aus im Griff hatte, kann sich
für ihren Versuch im dramatischen
Fach bei einem sehr kompetenten
Team aufgehoben fühlen. In
„Cake“ (Regie: Daniel Barnz) passt
wirklich fast jedes Detail, die Kamera von Rachel Morrison ist zugleich diskret und schonungslos;
Kostüm, Maske, Licht, alles dient
der einen Sache: etwas Unsichtbares erkennbar werden zu lassen,
ohne es an das Offensichtliche zu
verraten.
So ist „Cake“ ein überraschend
intimer Film, in dem es nicht so
sehr darum geht, dass ein Superstar
sich eine Dosis Tiefgang verabreicht, sondern in dem eine Schauspielerin tatsächlich an die Grenzen ihres Metiers geht. Die Ironie
dabei ist, dass Jennifer Aniston in
manchen Momenten aussieht, als
wäre sie nie von der Couch aufgestanden, die in der Sitcom
„Friends“ die halbe Welt war. Das
Schicksalspathos, das in „Cake“
auch steckt, wird also nicht nur
durch die Klugheit der künstlerisch
Beteiligten gemäßigt, sondern
durch Logiken, denen Stars nicht
mehr entkommen, wenn sie es erst
einmal sind: Sie werden durchsichtig vor allem auf sich selbst hin. Innerhalb dieses Spiegelkäfigs verschafft sich Jennifer Aniston hier
mächtig Bewegung, indem sie so
tut, als könnte sie sich kaum rühren.
BERT REBHANDL
Von Donnerstag an im Kino
Meist ist besser, wenn die Bilder selber sprechen und nicht die Regisseure über sie. Wenn also lustig aussehende animierte Kröten fliegen,
wenn leicht leuchtende Regenwürmer in Schreibschrift eine Botschaft im Sand hinterlassen oder
wenn ein Baugerüst zu einer KingKong-Riesenskulptur fast wie in
„Transformers“ mutiert, den Berliner Fernsehturm anspringt und
zum Umfallen bringt.
Robert Bramkamp, der in Hamburg experimentellen Film lehrt
und über die Jahre ein sehr buntscheckiges Werk hervorgebracht
hat, neigt allerdings dazu, seinen
neuen Film mit einigen Selbsterklärungen und Theoriean- und -überbauten zu verzieren. Als „Transmedia SciFi-Film“ bezeichnet er „Art
Girls“, kombiniert mit einem
Online-Gratiskurs für innovatives
Filmemachen, und diese Form der
versuchten Rezeptionssteuerung ist
nicht für jeden auch eine Einladung. Weshalb man sich lieber mal
ganz krude ans Sichtbare hält: Eine
Künstlerin namens Nikita Neufeld,
kurz vorm Scheitern, jenseits der
vierzig, vom Freund verlassen, gespielt von Inga Busch; ihre Freundin Una (Megan Gay), nicht viel erfolgreicher; Kunstbetriebsschicksale in Berlin, nicht unbedingt der
Filmstoff unserer Träume.
Doch Bramkamp, der auch angenehm skrupellos mitten im Film
den Erzähler auswechseln wird,
biegt, bevor es einen anzuöden beginnt, scharf ab, Richtung ScienceFiction. Peter Lohmeyer spielt ein
Zwillingspaar, zwei hinreichend
irre Wissenschaftler, die mit
„L-Strahlung“ und „Biosynchronisation“ die Menschheit verändern
wollen, indem sie blockierte Potentiale freisetzen. Ihre Probanden suchen sie zunächst in der Kunst, und
von Nikita gehen die stärksten Impulse aus, wie ein spezielles Messgerät anzeigt, das vage an eine vorsintflutliche Spielkonsole erinnert. Sie
wollen „Kunst, die wirkt“, das wird
wie ein Mantra wiederholt.
Von jedem Beipackzettel wissen
wir aber auch, dass das nicht ohne
Risiken und Nebenwirkungen abgeht. Und so überrascht es nicht,
dass die Sonne auf einmal bläulich
schimmert, der gelähmte der beiden Zwillinge wieder gehen kann
und seine blockierte Potenz mit Nikita freilegt; leider gebiert die in
Biosynchronisation erzeugte sogenannte Wir-Intelligenz auch Monströses. Da rutscht die ScienceFiction ins Katastrophische hinein
und durch es hindurch. Fiktionen
werden real, aus Freundinnen werden Widersacherinnen, die Zwillinge entzweien sich.
Bramkamps Idee ist es nun, dass
Kunst nicht einfach wirkt wie ein
Medikament, sondern dass sie den
Lauf des Films verändert, das ErANZEIGE
Moderne
Zeiten
Die Nationalgalerie
www.kunst.wuerth.com der Staatlichen Museen
Alle Aktivitäten der
Kunsthalle Würth
sind Projekte der
Adolf Würth GmbH
& Co. KG.
zu Berlin zu Gast in
der Kunsthalle Würth
in Schwäbisch Hall
23.5. 2014 –1.5.2015
täglich 10 –18 Uhr
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zählen transformiert. Diese Programmatik kommt einem natürlich
immer ein bisschen so vor, als rüttelte einer ganz heftig an den Stäben der Zelle, in welche das Kinoerzählen eingesperrt bleibt, weil
ihm trotz Animationstechnik, trotz
vielfältiger V-Effekte der Sprung in
die Welt nur insofern gelingt, als
sich in den Köpfen jener Zuschauer etwas tut, denen der Topos von
der Fiktionalisierung der Wirklichkeit schon von Schriftstellern wie
DeLillo oder Pynchon vertraut ist.
Die Collage verschiedener optischer Stile und eine Inszenierung,
welche die Schauspieler gezielt
eckig agieren und sprechen lässt,
dazu die demonstrativ gehandhabten Low-Budget-Spezialeffekte –
das alles wäre, für sich genommen,
nur eine dieser so sympathischen
wie folgenlosen Attacken auf das
Diktat des einschläfernden mittleren Realismus, in dem alles wirkt,
als regierten in Kino und Fernsehen allein die Algorithmen eines
Dramaturgie- und Bilderzeugungsprogramms.
Was diese „Art Girls“, welche
bei zwei Stunden Laufzeit eine gewisse Langmut voraussetzen, von
solchen Versuchen abhebt, das sind
die Werke der Künstlerin Susanne
Weirich, welche der Film nicht einfach im zweidimensionalen Raum
„ausstellt“, indem er sie dokumentiert. Weirich ist Artdirektorin des
Films, der Film ein neuer Showroom ihrer Arbeit. Inga Busch begegnet zum Beispiel als Nikita ihrem Avatar aus „Silent Playground“
(2005). Die 2001 in München präsentierte Dia-Sound-Installation
„Die Glücksprophezeiungsmaschine“ wird Nikita zugeschrieben und
sorgt im Zusammenspiel von Tarotkarten und aus literarischen Quellen bezogenen Losungen für narrative Kurswechsel. Und aus der Videoinstallation „Angels in Chains“
(2009), welche die Gesichter von
Charles Mansons Mördermädchen
auf Kristallkugeln projizierte, altern und ihre Gesichter in jene der
Darstellerinnen aus „Drei Engel
für Charlie“ übergehen ließ, gewinnt der Film Inspiration für die
eigene Bildproduktion.
An diesen Schnittstellen wird es
interessant, da sprühen SynergieFunken, da werden die wolkigen
und bisweilen etwas prätentiösen
Geltungsansprüche geerdet durch
die sinnliche Präsenz einer Kunst,
die auf anderem Terrain wirkt, weil
sie sich ihrerseits filmischer Mittel
bedient hat.
PETER KÖRTE
„Art Girls“ wird vom 9. April an über sechs
Monate hinweg in zahlreichen deutschen
Städten zu sehen sein. Als eine Art Making-of ist in der Mediathek von Arte der
Film „Neue Natur – Art Girls intern“ bis
zum 1. Juni verfügbar.
ie Wege in den Himmel
waren wie immer ziemlich
voll, gradezu verstellt mit
Figuren aus dem jetzt auch schon
wieder halb vergangenem Jahrzehnt. Und wie in allen Zeiten
suchte auch dieses Jahrzehnt seinen eigenen Zugang zum Himmel. Wer aber leicht abseits ging,
an einem verkommenen Ufer entlang, konnte hinter einem hellen
Vorhang einen großen, schlanken,
dunkelhäutigen Mann mit Maschinenpistole erkennen, der offenbar
ganz willkürlich aus den am Ufer
Entlangirrenden manchem oder
mancher ein Zeichen gab, dass sie
ihm hinter den Vorhang folgen
sollten.
Und war man dann schüchtern
zwar, aber ohne Furcht zu dem
Mann getreten, der in seinem hellen Anzug, seiner Brille und seiner
dunklen Haut eher wie ein klassischer Rhetor aussah denn wie ein
Krieger mit Maschinenpistole,
stellte dieser sich als Malcolm X
vor. Und er war auch ein Rhetor
und kein Krieger. Denn seine
Rede ging schnell und ahnte alles.
Er habe, so sagte er sofort, gleich
gesehen, dass mir klar sei, dass er,
der Sohn, nicht gekommen sei, um
Frieden zu bringen auf die Erde,
sondern das Schwert. Und das sei
schon mal gut, denn so müsse der
Sohn, also Jesus, mich nicht erst erregen wider meinen Vater, das hätte ich ja schon selbst getan, und so
solle ich also gleich zum Sohn gehen. Der Vater, also Gott, habe gerade keine Zeit, weil bei ihm wieder dieser nervige kleine Typ in
hochhackigen Schuhen rumlungere und andauernd darüber lamentiere, dass er sich schließlich immer an die Maxime gehalten habe,
sich vor den Menschen zu hüten,
und die jetzt trotzdem unten über
ihn zu Gericht säßen und ihn geißelten in ihren Synagogen.
Gott habe einst, sagte Malcolm
noch, den Fehler gemacht, diesen
Martin H. aus F. gegen alle Zeichen in den Himmel zu lassen,
und habe den jetzt an der Backe.
Der Sohn Jesus war jetzt aber frei
und empfing mich gut gelaunt,
während Malcolm den Saft einer
Zitrone in die Wassergläser füllte.
Mein Anliegen war dann auch
schnell vorgebracht. Ich wollte einfach wissen, wie weit dieser Satz
des Jesus von den Lilien denn reiche, in dem es heißt: „Schauet die
Lilien auf dem Felde, wie sie wachsen: sie arbeiten nicht, auch spinnen sie nicht.“
Ja, erklärte Jesus darauf ganz
ernst und ohne jede Ironie oder Erhebung, das sei tatsächlich eine entscheidende Stelle seiner Predigten
über das Genießen der Pflanze.
Die Pflanze sei in ihren Wachstum
das reine Genießen, in jedem Stadium des Wachsens identisch mit ihrer Form, aus der sie nie fliehen
könne, in der sie immer, wenn
man so wolle, gefangen bleibe.
Eine sich dem Sinn entziehende
Befriedung, die seine Jünger nur
wider Vater und Mutter in der Liebe zu ihm, Jesus, erreichen könnten.
Peter Gauweiler ist weg, Claus Peymann noch da: Sollen Nervensägen künftig eine größere Rolle spielen?
A
uch die Semantik ist kein
harmloses Terrain. Jürgen
Habermas sprach sogar mal,
ungewohnt martialisch, von „paramilitärischen Einsätzen an der semantischen Bürgerkriegsfront“. Solche Schlachten sind hier nun nicht
mehr zu schlagen, wenn ein ziemlich abgehalfterter Intendant auf
den Berliner Kulturstaatssekretär
eindrischt, um sich eine Aufmerksamkeit zu verschaffen, die er als
Theatermann längst nicht mehr erreicht. Und selbst bei dem intellektuell agileren bayrischen Politiker,
der durch den nie zu weit getriebenen Dissens zu seiner Partei kontinuierliche Imagepflege betreiben
konnte, handelt es sich nur um
Scharmützel. Was man allerdings
dabei sehr gut beobachten kann, ist
PRO
Quer bis
konfus
VO N P E T E R K Ö R T E
eine Verschiebung der Konnotationen. Früher wurden die meisten,
die heute als Nervensägen gewissermaßen offiziell anerkannt sind, als
sogenannte „Querdenker“ oder,
wie man jetzt beim Abschied des
Politikers lesen musste, „Querköpfe“ apostrophiert. Und mancher,
dem der Unterschied zwischen
quer und konfus stets diffus blieb,
verlieh sich diesen Titel gleich
selbst, wenn er mit Verve offene
Türen einrannte und sich so pubertär wie theaterdonnernd als „Reißzahn“ oder „Stachel im Arsch der
Mächtigen“ sah. Heute wird jeder,
dem Argumente nicht gleichgültig
sind, eher Geradlinigkeit und Klarheit, ein cartesisches „clare et distincte“, vorziehen, wenn es darum
geht, das Gestrüpp der herrschenden Meinungen und abwesenden
Gedanken mit der Machete zu
durchdringen. Was nun nicht
heißt, Nervensägen stünden nicht
große Karrieren bevor: Den Euroskeptiker umwirbt schon die AfD,
der Intendant darf noch zwei Jahre
Provokateur – auch so ein abgewrackter Begriff – spielen, und an
Nachwuchs herrscht, wohin man
auch schaut, kein Mangel.
F
Illustration Kat Menschik
olgende Peter-Gauweiler-Beschreibungs-Namen wurden
für Peter Gauweiler, seit er
seinen Rückzug aus der Politik bekannt gab, gewählt: „Querdenker“,
„Querkopf“, „Raufbold“, „Freidenker“, „Selbstinszenierer“, „Euroskeptiker“, „Eurokritiker“, „Unbeugsamer“, „Freigeist“, „unabhängiger Geist“, „Buhmann“, „CSUUrgestein“. Ja, diese Beschreibungsversuche legen tatsächlich nahe,
dass Gauweiler eine „Nervensäge“
sein könnte, aber vor allem muss
man doch zu dem Ergebnis kommen, dass die Menschen, die diese
Peter-Gauweiler-Beschreibungs-Vokabeln allen Ernstes in ihre Tastaturen tippen, die allergrößten „Nervensägen“ sind. Dass sie „Quälgeister“, wenn nicht gar „Plagegeister“
CONTRA
Querkopf,
hihi
VO N A N T O N I A B A U M
sind, oder treffender: durchweg abgestumpfte Monster. Oder aber,
und das hoffe ich, sie haben beim
Verfassen ihrer Nachrufe auf den
politischen Peter Gauweiler einen
Wahnsinnsspaß gehabt. „Querkopf“, „Querdenker“, hihi. Ich meine, welche halbwegs vernünftige
Person schafft es denn, jemanden
ernsthaft einen „Querdenker“ zu
nennen, noch dazu Peter Gauwei-
ler. Andererseits ist das auch ein
ziemlich guter Witz. Bei Claus Peymann scheint die Sache zunächst
völlig anders gelagert zu sein: Er ist
eine, wahlweise „polternde“, „Theaterseele“. Holy Shit. Da nimmt
man doch sofort Reißaus. Ferner
pflegt Peymann zu „toben“, zu „pöbeln“ und ist ein „Theater-Patriarch“, jedoch auch ein „bewährter
Theatermann“, aber es dauert leider nicht lange, da ist auch Claus
Peymann ein „Querdenker“, was
mich sofort bezweifeln lässt, dass er
das jemals war, und vor allem beunruhigt mich, dass nahezu alle PeterGauweiler-Beschreibungs-Vokabeln auch auf Claus Peymann verwendet werden können. Darüber
sollten wir uns über Ostern mal Gedanken machen.
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